http://youtu.be/mYFkbRc0JMU

::Walter Benjamin::

En este breve ensayo, trataré la filosofía del arte que plantea Walter Bejamin; ello a partir de algunos de los conceptos que ambos tratan en sus textos sobre el arte y cómo éste se ha ido transformando.

Benjamin en su libro sobre la obra de arte en la época de su reproducción técnica, plantea diferentes conceptos, entre ellos se encuentran, los de la reproducción técnica, la autenticidad, el valor de culto y de exhibición, menciono sólo éstos porque son los que más me interesan y de donde parten muchos de los cuestionamientos sobre las manifestaciones artísticas de mi presente.

Primero, mencionaré la reproducción técnica, porque, en un primer acercamiento causó en mí el cuestionamiento de que estoy inmersa en la comunicación visual y en la gráfica, disciplina que mantiene una relación inherente con la producción en serie de imágenes. Comenta W. Benjamin que “Con el grabado en madera, la gráfica se volvió por primera vez reproducible técnicamente; lo fue por largo tiempo antes de que la escritura llegara a serlo también gracias a la imprenta.”p.39

Así, el grabado abre la puerta a la masificación, a la información o bien a la ilustración, convirtiéndose en un medio de comunicación y de conocimiento para la humanidad; desde mi punto de vista, el grabado trajo consigo más ventajas que desventajas en las técnicas de producción, sin embargo, los sistemas de producción deben que estar siempre presentes, porque a través de ellos se generan fenómenos como la piratería, acción que de alguna u otra manera contrasta con el concepto del valor de autenticidad y singularidad.

Me gustaría abrir la reflexión acerca del sentido de los conceptos que construimos, éstos están en constante cambio a través del tiempo y las transformaciones de cada sociedad, las cuales se generan dentro de ella misma.

A partir de la observación encuentro varias contradicciones en la concepción de la autenticidad, esto, lo puedo observar desde mi contexto, ya que en él, la reproductibilidad o los medios de producción son cuestionados y algunas veces hasta censurados.

Finalmente, concluyo que los conceptos de singularidad y autenticidad, se construyen dentro de cada sociedad, así como dentro de cada individuo; éstos conceptos alteran de manera importante el arte y su concepción, ya que muchas veces, en el pasado se tenía la idea de que el arte era única e irreproducible, es por ello que a partir del grabado y de la teorización de muchos conceptos, éste comenzó a verse afectado y beneficiado por la misma teorización, además, en la actualidad muchos conceptos han cambiado e incluso caducado, llegando a la conclusión de que si el arte cambia, también cambiarán sus conceptos.

A modo de un final inconcluso

Pasamos por Michaud y su temperamento etéreo con una mirada hacia la descomposición trillada pero ansiosa de la propuesta artística actual; así nos dirigimos el pensamiento experimentado de Taine, el cual, vincula los procesos clásicos del desarrollo creativo de la pintura con la generalidad del arquetipo biológico de gen artístico. Los dos apuntando a la contemporaneidad de la sociedad que se desarticula por su naturaleza temporal. Seguimos el camino hacia Bataille que nos exprime para dejarnos con la reflexión de la hilaridad de un juego de niños, pasando por la retórica del Genio artístico expuesto y desmentido por Hanza: un antiácido para el título nobiliario cargando a cuestas. La originalidad nos envuelve con Benjamin ¿Será que nos hemos escondido? Pues resulta que ahora hemos vivido en lugares que no lo son y pasamos más tiempo en ellos sino en nuestro espacio, Augé nos empuja a preguntarnos el sitio preciso de la existencia antropológica de él. En ellos el ver y el no ver se sincroniza, ya que Stoichita brinca al lugar y momento donde la búsqueda de la mirada ahora es la primicia para ser encontrado.

Siguen y siguen las formas, los discursos y fundamentos. Falta aún las miradas de muchos ; sobre todo la de nosotros, la que se ha ido construido a lo largo de unos meses interesantes de reflexión. En este sentido, les quisiera compartir las frases del conceptualizador del ensayo: Montaigne cuando puntualiza “No se atienda, pues, a las materias, sino a la manera cómo las expongo.” Así lo haremos, tal vez sea la conclusión de este presente perfecto del subjuntivo, es decir la actualidad. La posmodernidad se transforma en el contenido por difuso e inmaterial que sea, reflejo intrínseco del objetivo de nuestro quehacer, en conjunto “El ensayo como forma“ no nos limita del todo pues nosotros seremos la materia “Doble cambio radical: la materia es el autor, y el autor no está en la materia, sino en la forma. La persona determina el asunto, pero el asunto no es lo que importa, sino el modo en que se manifiesta. Atienda pues, el lector, a la manera como un autor se representa en la escritura o nos deja saber su punto de vista sobre algo.” Así nos convertimos en ello, así moldeamos el trabajo que desarrollamos.

Les dejo la liga para los que aún desean explorar la encomienda próxima hacia lo que es y fue…ahora será .

Un regalo más es esta animación, que visualmente y desde este punto personal llega para dar un punto y aparte, donde se resume lo que logramos vislumbrar…Les invito a seguir alimentando la curiosidad, la vista y sobre todo el hambre.

En las pláticas de café se encuentra la verdad impensable

no hay nada que celebrar "de walter benjamin a los no lugares"

El 2 de noviembre se celebra el día de muertos, festividad de origen prehispánico que coincide con la celebración católica de día de todos los santos. Hay registro de dicha ceremonia en las etnias mexica, maya, purépecha y totonaca. Los rituales que celebran la vida de los ancestros se realizan en estas civilizaciones por lo menos desde hace tres mil años.

Es así como la memoria colectiva sigue implícita en la identidad de este pueblo y este festejo no será algo que desaparezca fácilmente ya que crea toda una infraestructura social, comunicativa y simbólica entre la comunidad, la oralidad y la comunión, de este modo se  recrea año con año en los diversos panteones de toda esta nación.

La intención de este trabajo no es contar la historia de este festejo (que por sí solo es todo un tema) si no generar una acción artística que represente los dos conceptos trabajados en el anterior ensayo memoria y contra -institucionalidad. El propósito fue trabajar a partir de este festejo encontrando en el tema de la muerte, un plus importante en un contenido olvidado en Latinoamérica como nuestras etnias y lenguas muertas o algo tan grave como eso, el  peligro de extinción de éstas. Fue de esta manera como comenzó una investigación acerca de este contenido, a partir de la investigación y de los ejemplos de grupos artísticos en resistencia, sin ser diseñadora me vi ocupando programas para hacer carteles informativos, ya que no quería que sólo la imagen entrara en contacto con la concientización, si no que la información pasará de lo visual al lector y luego a la oralidad de las personas.

Los carteles son ocupados por la habilidad que tienen de ser reproductibles de una manera fácil y directa, cualquier persona puede reproducirlos, es decir pasan a no tener una autoría definida ni a ser una “obra de arte única,” si no que, en este caso la obra toma importancia tanto por la estética usada (en este sentido si es atrayente o no) como por la estrategia del mensaje que se quiere reproducir, es de esta manera como fue una herramienta indiscutible en distintos grupos como de resistencia rusos, cubanos, chilenos, y hoy en día se ve en grupos chicanos de aguante.

La estrategia consistió en hacer carteles tamaño doble carta, los cuales fui pegando en las calles, en particular en lo que podríamos denominar los “no lugares,” los cuales  Marc Augeé define como: lugares de transito en donde el individuo pasa a ser anónimo en medio de esta sobremodernidad. Reflexionando acerca de este tema creo que el mismo texto informativo de estos carteles habla de las “no personas” en este caso las definiría como estos sujetos que están ahí pero no son vistos “los invisibles” (trabajadoras sexuales, estudiantes, campesinos, indígenas, entre otros). Con estilos de  vida “transitorios” al sistema económico, político y social actual.

 Es así como la acción fue concretamente en las  paradas de autobuses. Los carteles fueron puestos en la mitad de la publicidad tratando de re simbolizar el espacio de lectura basura (publicitaria) a lectura informativa, ocupando así el espacio público y privado comprado por corporativos capitalistas; es de esta manera como me encuentro trabajando con la memoria olvidada de nuestras lenguas y etnias y ocupando el espacio público como plataforma artística.

VER Y NO VER

Algunos ejemplos filmicos que me vinieron a la mente despues de leer "Ver y No ver" de Victor I. Stoichita

aqui el trailer de la ventana indiscreta de Alfred Hitchcock muy adhoc con el tema del vouyerismo


asi mismos, este fragmento de la archiconocida pelicula amelie de Jean Pierre jeunet, donde la mirada parece tener una importancia preponderante en las tres primeras secciones:

Dufayel observa todo desde su apartamento por que no puede hacer mucho mas que eso por su condición clínica... conoce a todo el mundo, pero pocos saben siquiera algo de el, menos aun su extraña afición por pintar el mismo cuadro de Renoir una y otra vez; lo interesante, las miradas, como el dice, es el elemento mas dificil de retratar en el cuadro, particularmente el de la chica con el vaso de agua.

Después, Bretodeau de la misma manera se siente observado en la cabina telefonica, y Amelie se regocija de su buena acción sin tomar el credito por sus actos.

Finalmente, le otorga la vista a un ciego por un corto periodo de tiempo remitiendo a la "legibilidad" de sus recuerdos y como estos se pueden vincular con los eventos actuales. Muy similar al velo del arte de Zola, o soy solo yo?

NO LUGARES Y BENJAMIN

Yo creo que Walter Benjamin influenció a Marc Augé

Podría constatar fácilmente este argumento revisando los contextos cronológicos de cada autor, ¿pero que acaso la duda no le otorga un cierto grado de misticismo que lo hace más interesante? Posiblemente no… posiblemente solo evidencia la negligencia en cuanto a mi investigación documental, así que mejor lo haré en este momento….

Investigando….

Para empezar Augé ni siquiera está muerto, eso es bueno, supongo. Augé acuñó los no lugares primordialmente por el exceso de interés que se prestaba al tiempo en contra del espacio, y como este fue rezagando la importancia, en última instancia, incluso de los lugares que nombro como las instituciones mediadoras que en gran medida son las que otorgan el grado de interacción y sociabilidad que el mundo necesita. O creí necesitar, o necesita pero cree que no necesita.

Estos primeros no lugares son precisamente aquellos en los que uno no se encuentra físicamente el tiempo necesario para generar una empatía y crear un lazo de reconocimiento con ellos, es decir, las carreteras y rutas de transporte. Sin lugar a dudas, el metro de la ciudad de México me viene a la mente de inmediato, pues con mis amigos y conocidos, cuando me dan una dirección a la que debo llegar dentro de la ciudad solamente les digo “que metro me deja cerca” y el espacio que esta entre estos puntos es un espacio ajeno y anónimo, es solo un gran túnel negro que desemboca en una estación que se diferencia de sus hermanas solo en el nombre y un poco en la arquitectura analizando en qué orden secuencial fue construida. Un no lugar es precisamente ese punto que es como todos los demás y solo sirve de intermedio entre otros lugares que si poseen en sí mismo un carácter más individual. ERGO, el avance tecnológico en relación al desplazamiento es el que tiene un carácter imperante ahora y siempre, y que más obvio en las telecomunicaciones contemporáneas que a su vez no exigen siquiera de un lugar específico para accesarlas, por ejemplo, el internet, que en un momento era un beneficio de ciertos personajes dentro de las universidades y con pleno interés en la enseñanza, y ahora es una herramienta de ocio y disponible en cualquier punto, pagando la tarifa acordada. El espacio virtual del internet guarda pues muchas semejanzas con los no lugares, en relación con el significado del tiempo y el espacio, no está en ningún lugar, pero es un punto de paso en el que todo transitamos… a ver si encuentro ese comercial…

No es el que quería, pero la idea es similar… el problema de los no lugares de Marc Augé era que propiciaban un estancamiento del movimiento del fenómeno social, pero además, y mas importante, el hecho de que el desarrollo acelerado de los medios de comunicación y transporte influyen en la percepción del tamaño del mundo, así como la aceleración del ritmo de la historia y como esto afecta nuestra valoración de la misma. y que necesidad hay de estar ahora presente en un No lugar? pues es particularmente importante pues como no se toman con la seriedad necesaria la trascendencia de los hechos en estos espacios, es consecuente el hecho de que se sienta un nivel de libertad y desenvolvimiento distinto es estos espacios... espacios abiertos para la ensoñación, pero tambien para el libertinaje... en la pelicula "PAPRIKA" de Satoshi Kon basada en el libro de Yasutaka Tsutsui, la protagonista hace una comparacion entre ambos espacios.

"Don't you think dreams and the Internet are similar? They are both areas where the repressed conscious mind vents."

Todo pues se vuelve bastante inocuo, o así parece, pues todo puede tener valides o no tenerlo.

Benjamin se refería a esto cuando mencionaba la desarticulación del original con su lugar de origen al hacer una copia; ese sentido entre el objeto y el contexto es la esencia de la noción de un no lugar, estar en un lugar donde carecemos de significado, o al menos así lo considero. Caso muy interesante, los Panoramas de finales del siglo XIX y principios del Siglo XX, basados en las fantasmagorías de E.G.Robertson por ejemplo, claros ejemplos de “ANTIGÜEDAD VIRTUAL” como diría Nicholas Mirzoeff, en el que el visitar un lugar específico es la tarea de pinturas en vidrios y ambientaciones teatrales.

Este es como un escrito muy libre y creo que no se entendió, pero les recomiendo este par de pedazos de libros, muy buenos.

LUNA CORNEA No. 28

El arte de las Ilusiones, de Jose Antonio Rodriguez

GUSTAVO ORIBE MENDIETA

"YS"

El valor eterno de Walter Benjamin

Un ejemplo muy particular y sin irnos demasiado lejos, además mexicano es "Chespirito", como ya sabemos su nombre se le otorga por su talento para producir historias semejantes a las de Shakespeare, ahora bien; "El chavo del 8" aunque en México puede ser no tan aclamada una producción de una pobre sociedad mexicana por diferentes puntos de vista; hay que analizarlo desde Benjamin, esta es una serie de 1972 que duró 20 años "nadamás" y que en el 2010 se incorpora nuevamente con una versión digital exigida por la época. Las historias, los diálogos, el drama, etc, es el mismo de hace dieciocho años y qué pasa, los niños en la actualidad vuelven a ser envueltos por esta interpretación haciendo una reinterpretación, sintiéndose identificados posiblemente. Un punto más sobre el valor de exhibición, es una serie de exposición diaria por una hora, cuando las demás caricaturas sólo duran media hora y no diarias. ¬¬º
Sin contar que la versión clásica aún está al aire y también es seguida por los niños de estas nuevas generaciones, a través de la publicidad con Sabritas u otros productos.

Les dejo la primera parte de la película que mencionamos "Un Retrato de Diego" filmada por Manuel Álvarez Bravo(cinematógrafo), producida por Gabriel Figueroa(fotógrafo) e interpretada por Diego Rivera. Pueden notar que cada uno desempeñó la labor del otro, aún Diego Rivera participó en la dirección, puesto que planteó la forma en que quería ser filmado.

De esta forma concretamos que el Valor que se le ha dado a esta película por ser inédita tiene tal importancia por el personaje que fue y sigue siendo Diego Rivera.

METROPOLIS REFUNDADA

como mencione en la última clase, aquí un ejemplo para hablar al respecto de los objetos sagrados que pueden gestarse incluso dentro de las áreas de la creación artística en donde Benjamin anunció sus esterilidad, e intrascendencia.



no se por donde vaya la asociación, pero por ejemplo, el autor japonés de manga, Tezuka ozamu, famoso por crear entre otros a astro boy, tambien tuvo un manga corto llamado METROPOLIS, con una premisa similar, y nunca deseo llevarlo a la pantalla grande, y fue solamente con la muerte del autor, que se pudo consolidar su explotación con fines de lucro disfrazados de pretención artística. El sabría por que no queria hacerla.




GUSTAVO ORIBE MENDIETA "YS"

Reflexiones sobre el Aura y Walter Benjamin

Sobre la Autenticidad: Benjamin enuncia que la reproductibilidad técnica incide en la obra de arte de dos modos: primero, (y viéndolo como una ventaja), en el modo que permite que la reproducción técnica pueda tener independencia del original en tanto comparada con la reproducción manual (que suele categorizarse como imitación y por ende, como falsedad), esto, según él, puede ayudar a resaltar aspectos o detalles que a simple vista podrían pasar inadvertidos del original, y otra cualidad, la que puede hacer que la réplica acceda a lugares que el original no puede, con lo que la misma puede tener mucha mayor difusión y alcance con el receptor. Con ello, la obra se expande a muchos sitios,  y se masifica.

Pero también afecta en el modo que tiende a destruir el aura, el cual a su vez es definido como el núcleo primordial de la obra, y que también puede ser resumido como el concepto de autenticidad, del que destaca su carácter de único, y que está condicionado a partir de “su aquí y su ahora”, muy importante en el planteamiento benjaminiano, pues así es como él define al aura: “Un entretejido muy especial de espacio y tiempo”. Y esta aura viene muy de la mano con la tradición, que se traduciría como el valor de culto de la obra, basado precisamente en su cualidad de única y determinada por su espacio y tiempo (el contexto que la originó). De ello se desprende que este valor de culto implica restos de un valor de ritual, que Benjamin sitúa como el modo en que solemos ver a las obras de arte: con una cierta reverencia o admiración, no importando si esta es religiosa o meramente estética, ya sea por la obra en sí, o por el artista que la produce.

Ahora bien,  si la reproducción técnica lo que destruye es el aura de la obra al eliminar ese carácter de unicidad, ¿resultaría entonces que la masificación con réplicas de una obra carecen de aura, pues el valor de culto inherente a la unicidad ya no aparece en ellas?, en ese sentido coincido con lo que ya  han mencionado algunos compañeros, y creo que siguen remitiéndola, y aún cuando sea réplica o transformación de la “grandes” obras a través de la manipulación digital y bajo los términos de la cultura pop, el aura se transforma y si quizá se desvanece o marchita, quedan aún rastros en sus réplicas, y puede ser que Benjamin quizá aún no contemplaba el carácter de lo efímero dentro de la obra de arte como cualidad inherente (y orígen) y por lo tanto su más preciado valor dentro de la obra en sí, cualidades y valores ahora muy en boga en nuestros días (el aura en estado gaseoso, parafraseando a Michaud), sí podría aventurar a creer que por lo menos veía una posible solución: el desplazar la validación de la autenticidad de la obra basada ya no en el ritual, sino en la política, lo que yo entendería como el contexto social o como reflejo de la sociedad que al artista le toca vivir y con la cual se compromete. Incluso, encuentra otra vía al analizar la confrontación entre el valor de culto y el valor de exhibición (que a grandes rasgos,  es la que se basaría en el principio de que toda obra busca ser exhibida), y que predomina ahora, alentada por los avances vertiginosos de las tecnologías que nos permiten el acceso de la obra a través de las distintas técnicas de reproducción que ellas ofrecen, y que se relaciona directamente con la masificación y el objetivo que Benjamin le asigna: el de la constante experimentación, entendidéndose como una cualidad en que los valores como “seriedad y juego, rigor y desentendimiento, aparecen entrelazados entre sí en toda obra de arte, aunque en proporciones sumamente cambiantes.”

Sobre el valor eterno: Cuando Benjamin contrapone el modo de hacer obras de arte de los griegos, que buscaban un valor eterno (nuevamente definido a partir del concepto de unicidad de la obra y que no permite mejoras) con el cine (que en esa época era una novedad) y que se basa en el hecho de construir una obra por partes que a su vez pueden ser seleccionadas y  mejoradas en cada paso (y por, lo tanto no se realiza de un solo golpe y esta condicionado por su reproductibilidad), afirma que en este último la plástica (o sea el valor de las creaciones de una pieza con los griegos), decae;  sin embargo, yo creo que no es necesariamente así, ya que existen películas que hoy son consideradas obras de arte, y generan precisamente un culto (¿aura?) que se mantendrá así, puesto que a pesar de que se hagan remakes, de ellas, siempre estará la primera como un referente, y ciertamente muy pocas versiones nuevas pasan con buena aceptación en comparación de las originales, lo cual en cierta medida le daría la razón a Benjamin en cuanto a la imitación. El aura aún puede pesar.

Un ejemplo a este respecto, a bote pronto, sería el fallido remake de 1998 de la película original de 1960 "Psicosis" de Alfred Hitchcock.

De los no lugares a partir de las No personas

La contemporaneidad es cuestión que muchos autores describen en torno a la vigencia de las disciplinas y su función sustancial. Marc Augé aborda este tema como pretexto a discernir acerca de la validez de la antropología y en específico de la etnología para comenzar a desarrollar el discurso de los “No lugares” como característica de nuestra era.

Cuando comienzo a leer el texto de Augé reflexiono de inmediato hacia los lugares pero en correlación con las

personas. El aeropuerto, la tienda, el mismo avión con todos esos intermediarios que son los individuos contenidos en ellos las “No personas” como aquellas que, al igual de los lugares, son transitorias en la vida del individuo posmoderno. Entonces viene a mi mente el trabajo de Dulce Pinzón, artista visual que utiliza la fotografía como recurso expresivo para denotar su concepto de identidad a partir de sobre exponer las características de los personajes representados. En mi personal punto de vista, este es un claro ejemplo de lo que Augé utiliza como introducción a su postulado: el estudio del individuo en la sociedad, su transformación y el eslabón que representa en la configuración y comprensión de la misma.

En lo referente al trabajo de Dulce y cómo lo relacionó con Augé está en primera instancia, la actualidad de la temática de la raza y su estado etéreo en éste siglo; signo que representa Dulce con su serie “Multiracial”. Por otra parte, en su serie “La verdadera historia de los Superhéroes” mira el fenómeno migratorio y enfrenta el concepto de las personas que no son héroes por salvar vidas en el instante sino día con día, que en mi visión, están vinculadas a lo que se refiere a los “No lugares” y nuestras “No personas” que están ahí para el subsane de todas las relaciones necesarias en los tiempos de la posmodernidad.

http://www.dulcepinzon.com

W. Benjamin: Prólogo, Reproductibilidad técnica y Autenticidad

El origen del autor y su vivencia personal pueden ser el factor detonante de este enfoque posmoderno, el cual hace especular lo adelantado de un pensamiento tan complejo como el aura de la obra de arte y su reproducción ¿Será que con la reproducción, el aura se destruye completamente o sólo se transforma? ¿Cómo justificar o desmentir la divulgación de las imágenes a partir de la copia ilícita, que hoy en día es uno de los asuntos más atacados en el mundo? ¿Cuál es la relación directa con el tiempo inmediato cuando la obra es producida, cuando se reproduce y hasta el momento del consumo? ¿Es necesario que una pieza sea consumida para que sea obra de arte? Muchas cuestiones decantan de mi reflexión cuando comienzo a leer este ensayo en sus primeras tres perspectivas.

“Incluso en la reproducción mejor acabada falta algo: el aquí y el ahora de la obra de arte, su existencia irrepetible en el lugar en que se encuentra. En dicha existencia singular, y en ninguna otra cosa, se realizó la historia a la que se ha estado sometida en el curso de su perduración” Nos dice W. Benjamin al referirse sobre la autenticidad, elemento indispensable: el aquí y el ahora. La historia demarca un concepto medular pues es ella la definidora de la perdurabilidad de la obra. En este sentido, la actualidad se ve sumergida bajo a perspectiva de la fugacidad y la intangibilidad de los productos artísticos en todas sus modalidades, lo cual inhibe el componente catalizador que trascienda hacia la sociedad y permee significado de ella.

En mi personal punto de vista, las configuraciones artísticas del siglo XXI se ven inmersas en la cultura popular, las imágenes que ya tienen un nivel en el imaginario colectivo, símbolos consolidadas ante la sociedad y que de alguna manera son reproducidos y trasgredidos para darles significados ponderados o imprimirles ciertos parámetros de pertenencia para apropiarse de la mismos creando un nuevo discurso ¿Cómo se analizan estos parámetros en el entendido de la reproductibilidad técnica? Es ella la que les permite tales soluciones.

Finalmente, para terminar con estos primeros puntos de W. Benjamin, me gustaría poner sobre la mesa la cuestión de su concepto de autenticidad (cifra de todo lo que desde el origen puede transmitirse en ella desde su duración material hasta su testificación histórica) y el del aura (lo que se marchita en la obra de arte en la época de su reproductividad técnica) pues en ellas se basa su ensayo dando ejemplos tres perspectivas: la reproducción de obras de Mondrian por Yves Saint Lauren, modificaciones digitales de obras de renombre y la trasformación del video clip en otros lenguajes, que me permiten dilucidar un poco desde ellas diferentes puntos de vista al respecto.

SOBRE WALTER BENJAMIN Y UN VIDEO DE MICHEL GONDRY

Walter Benjamin es un referente obligado en estos días en que la cultura de masas (o medios, quizás) es un caldo de cultivo en extremo fértil para el debate sobre la permanencia de la cultura o su inminente desaparición, como dirían los APOCALIPTICOS, de Humberto Eco.

Una gran cantidad de autores se unen en comuna para expresar su impresión al respecto de la producción cultural hoy en día. Michaud dice que el arte ahora permea en todo lo que nos rodea, pero en menores cantidades ya que ya no se encuentra en un estado concentrado. A eso John Peter Berger y sus modos de ver hace una reflexión sobre la propiedad de la imagen y la transmutación de ciertos iconos en una imagen pura y el referente en un objeto más sagrado que cuando fue originalmente concebido (la mona lisa en calcetines es una imagen que es tan escandalosa como las sillas de Kosuth o las latas de Manzoni), y es que me parece que la reproducción técnica no roba el aura a las obras que ya la poseían, de hecho parece reforzarla, pues es un referente inmediato, ese acceso directo a una experiencia más sublime, o quizás este resguardo y celo es para no destruir la imagen mitológica que se les ha engendrado (“que es ese objeto tan importante que en todas partes veo su imagen, como un Dios”) y que se desquebraja ante la realidad (de nuevo citando a la mona lisa, es un lienzo de un tamaño más bien pequeño, su fama la ha rebasado).

El aura, como mencionaban en otro documento aquí albergado en el blog, tiene una cierta relación con el marco de una obra, pictóricamente hablando, la define, le impone límites, la vuelve algo ajeno de la materialidad cotidiana, la eleve en efecto al estado metafísico ideal del aura, como la fuerza vital de un animal. Roalind Krauss hablaba al respecto cuando escribió sobre la escultura en el campo expandido: Es cuestión de tiempo (como Benjamin también dice al hablar del sentido histórico del arte), así como la decoración dejo de lado la estética arquitectónica basada en la escultura, y esta encontró su nicho como efeméride en el sitio especifico, hasta que el artista rebaso su oficio y se perdió la base de la escultura como frontera.

El problema surge de la falta de la limitación, ¿pero cómo seguir definiendo bordes tangibles cuando el ritmo de la historia marcado por los mismos medios de construcción de identidad cultural son tan veloces precisamente por la búsqueda exhaustiva de documentar hasta el más ínfimo detalle del paso del tiempo?.

Fontcuberta hablaba la semana pasada de ese filtro inexistente que habría de destruir las imágenes basura que se construyen por millardos cada día, y que saturan los medios de almacenamiento y los procesos comunicativos.

¿El eje del poder debe volverse autoritario para dar un orden al caos, o el individuo debe volverse critico de su responsabilidad como creador de mensajes?, visuales en este caso.

y ya que hemos mencionado bastante a michel Gondry, aqui un video de Björk donde me parece que se evidencia muy bien esta tematica de la recreacion constante.

Gustavo Oribe Mendieta "YS"

Walter Benjamin y el marco de la imagen

 La función del marco en una imagen ha sido empleada desde tiempos remotos, particularmente nos revocaremos a las imágenes tradicionales, estas son las obras de arte aquellas a las que el artista les da su sentido mismo, en toda una cadena de factores que flotan en su entorno. El aura que él le otorga y que al mismo tiempo le da la autenticidad no puede ser transferida ni lograda por un copista, puesto que es un sentido único; sin embargo como ya lo hemos comentado en clase, la imagen ha seguido su curso y crece su ambiente conforme la sociedad lo exige. Volviendo al marco que cumple con separar dos realidades, nuestra visión y el aura que presenta la obra, de esa manera crea un espacio propio que invita al espectador a perderse en la obra sabiendo apreciar e interpretar. Todo esto es un término de Fernando Zamora y veo que va muy de la mano con la autonomía que Walter B. consideró que el arte no tiene. 

Ahora bien, en la actualidad el marco no se ha quedado sólo para guardar el contexto de las obras, lo podemos apreciar en todas partes, aquellos lugares que nos quieren separar de la realidad para darnos otro panorama, divertido, tranquilo, amistoso, laboral, educativo, etc. estos son, los parques, los cines, las escuelas, el zoológico, ¡el museo! Este último tiene un principal objetivo, con cada exposición que se presenta en él sea de fotografía, obras pictóricas, esculturas, desean envolvernos en otra dimensión para presenciar el aura y sumergirnos en las experiencias de la autenticidad.

Es fundamental fijarse en el diagnóstico de Benjamin. El arte ha sido separado de su fundación cultural. En la litografía ya no vemos el momento creativo, ni esa totalidad oscura que nos estremece y deleita a la vez, ni la trascendencia que tiene la autenticidad de la obra única. Lo que parecía que iba a liberar la obra, la reproducción, y hacerla autónoma, la encadena, la destierra de su autenticidad y le quita la posibilidad de ser interpretada. Lo que Benjamin nos está explicando es de qué manera se pasa de una contemplación individual  a la contemplación masiva  que favorece la distracción, y cómo eso es fácilmente utilizable por el fascismo en la estetilización de la política. Lo que podría “democratizar” el arte haciendo llegar la cultura a todos los sitios gracias a la facilidad de  copia, también puede encerrarnos en un fascismo sin retorno, en el que todos seamos idénticos, y en el que el valor artístico – y su función – tan sólo esté al servicio del poder. No se trata, por lo tanto, de estar a favor o en contra de la técnica, sino de atender tanto a sus posibilidades como a sus peligros.

Albert Lladó

Finalmente les comparto un video del fragmento de una obra "La Divina Comedia de Romeo Castellucci-Infierno" (la muerte de un artista) podrán apreciar una gama de sentimientos, melancolía, agonía, alegría, y todo lo q termine en -ía. Una obra de espectaculares elementos simbólicos llevados al teatro con plasticidad para expresar la muerte del artista "si no se convierte en un sujeto "autoconsciente" dice Albert Lladó.

Sobre W.Benjamin y el Video

Si bien el VIDEO no es un medio artístico que pueda considerarse parte de una tradición artística, es indudablemente una consecuencia de la evolución de la imagen en todo su amplio sentido y a la vez heredero de la imagen mediática. Así como fue la fotografía la primer imagen técnica que prescindía de un trabajo manual para su creación, el Video tendría otro tipo de aceptación. 

Las posibilidades que la fotografía otorgaron a la reproducción de la imagen fueron creciendo exponencialmente y desde luego, no solo en el ámbito artístico, sino en todo lo que respecta a la imagen y su producción. 

Luego entonces el cine colocó a la fotografía como el medio cinético más radical con relación a la tradición artística dentro de un particular contexto ideológico, donde poco a poco las imágenes perdieron esa característica originaria y única que un espacio determinado a un tiempo determinado las revestía (según el concepto de Aura de Benjamin) En un principio, la imagen fotográfica no fue considerada un producto artístico precisamente por su condición técnica a pesar de haber evidenciado y superado las pretensiones de emulación naturalista de la realidad que la tradición pictórica cargaba consigo; y no fue sino hasta que dejó de ser una herramienta, que sus alcances fueron más allá. 

El acto mismo de fotografiar constituía la creación de un documento y en ese sentido, un documento no constituía una obra de arte en sí misma; cuestión que se vería drásticamente modificada tiempo después en el mundo de las artes. 

A partir del desarrollo tecnológico, es que el VIDEO se convierte en una herramienta accesible a los artistas. Sin mencionar lo que el cine y sus experimentaciones o manipulaciones podían ya lograr desde tiempo atrás no solo en sentido técnico sino en formas y estructuras filmo-sintácticas.

El Video nace ya dentro de una concepción de la obra de arte Post-Aurático y es por ello que no se pone en tela de juicio con relación a su ubicación espacio-temporal como obra de arte. De igual manera hay críticos que no han dado su dádiva de consentimiento para hacer del video un medio propiamente artístico, lo cual sucedió también con el cine en otro tiempo, desde luego.

Página para presentaciones dinámicas

Prezi.com

Meditación de Bataille

Dinámica de pensamiento

http://prezi.com/i5mz2sshosaf/edit/#11_116412

Esta es mi manera de representar las meditaciones de Bataille a través de la secuencia de imágenes como puede ser en una historieta. Con elementos básicos como refiere Dondis en la Síntaxis de la imagen, en este caso no publicitaria, pues resulta ser un proceso de solución de problemas (según percibo) no finaliza en un producto y su objetivo no es vender una idea, sino hacer una introspección de pensamiento, osea el proceso creativo.

Con esta representación, el pensamiento se maneja en una dinámica que nos proporciona la fluidez de ideas, diversos caminos en un desarrollo y finalmente nos deslumbra la idea.

http://www.lozano-hemmer.com/videos.php?id=sampler_2010-1993

Arte, vida y contexto - Richard Moszka

http://www.youtube.com/watch?v=nY1V2KEp9ig&feature=results_main&playnext=1&list=PLB4EE6561FB4A1049

Orlan a través de Hipólito Taine

En un principio la obra de Orlan me causa una revolución en el estómago, siendo esta un simple percepción. Lo que me interesa de la obra de Orlan es hacer una lectura sobre ella; Pienso en la unidad que existe entre el contexto, la vida y la obra del artista, cuando intento mirar la obra de Orlan, me hago consciente que tendré algunas bases de Taine, asimismo, observo la obra desde mi contexto y mi propia perspectiva.

Así, de lo anteriormente mencionado veo: una obra como ser, la obra en el artista mismo, el cuerpo como sustrato o soporte del concepto, el que tiene su inicio en una crítica hacía los cánones de belleza, hacía el estilo de la obra, y hacía las herramientas que tenemos al alcance hoy en día para producir y generar una obra, a través de Taine veo que dichos cánones occidentalizados tienen su origen desde los griegos, ya que como nos plantea brevemente en el texto de la naturaleza de la obra de arte, esta idea acerca de la belleza está tan internalizada que a veces es difícil separarnos de ella.

La consecuencia que sacamos es, pues, que en todo caso, compuesto o simple, el medio, es decir, el estado general de las costumbres y del espíritu, determina la especie de las obras de arte, no soportando más que aquellas que están de acuerdo con el ambiente, excluyendo las otras mediante una serie de obstáculos y de ataques interpuestos y renovados a cada paso de su desarrollo. p.33

“Según Orlan, eligió estos personajes no por los cánones de belleza que representan, sino por las historia y la mitología que vienen asociadas a ellas.” Habría que tomar en cuenta diferentes elementos en su obra, por ejemplo, el mercado de la cosmética, la cirugía plástica y el sistema de producción en el que esta elaborada la obra y los medios actuales con los que uno puede modificarse o volverse a crear; en cuanto a este modificaciones algo parecido sucede en el mundo de la moda, debido a que ésta ofrece cambiar de identidad de acuerdo a diferentes ciclos temporales.

Entonces podemos decir que, la obra de arte pasó de ocupar un espacio como un cuadro a ocupar un cuerpo, a cambiar de aura, de espacio de exposición, de obra como totalidad; ya no sólo importa el resultado que puede ser sorprendente, ahora también se generan registros procesuales de la obra, los cuales sirven un poco como registro, un poco como la autenticidad de la obra, así este acto tal vez provocado por la “autenticidad” a veces es manipulado por los medios de comunicación masiva.

A partir de la propia destrucción, deconstrucción, critica y trasgresión, Orlan construye una reflexión mirándose al espejo y haciéndonos mirar en el espejo de su rostro, donde surge un encuentro entre la sociedad y nuestra inserción en ella.